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温一沛:心理空间的构建 艺术汇 访谈

发布日期:2019-08-30 03:31   来源:未知   阅读:

  在阿拉里奥画廊上海空间的最新个展“置景”中,温一沛呈现了其新近创作的绘画作品。延续以往对空间问题的探索,艺术家在新作中将室内与室外空间结合,并在此过程中将画面逐渐推至具象与抽象元素并置的状态。在愈发平面化、主观化的同时,画面始终保持着一种微弱的空间感及相对的现实感。通过对诸多元素的构建、发展、调和,艺术家持续在创作中传达其对生存空间的一种整体感知。

  艺术汇:此次在阿拉里奥画廊的展览“置景”主要呈现了你近期的新作,可否先介绍一下这批作品的整体创作思考?

  温一沛:除了两张2017年的作品,其他作品的创作延续了一年多的时间,它们的面貌也不尽相同,分为前后两个阶段。前期的作品和2017年的作品结合得比较紧密,虽然有抽象的结构,但空间感还比较真实,正挂挂牌彩图有透视关系,而且每个部分都还有实体感。后期的作品则变得更加抽象,是从对具象的形态的经验发展而来的抽象。比如有一些形状的结构是从光线和投影的关系演变而来,最后变成抽象形式。近景和远景也没有分得那么开。不是完全符合现实原则,而是遵循一个更为主观的逻辑。这是什么漫画???

  艺术汇:你对空间的探索最初应该是从室内空间出发的,也就是2014年的那批作品,后来是如何逐渐推进到室内与室外空间的结合?

  温一沛:一开始是从室内空间出发,同样也是最初时画得比较具象,有的画面中还会出现一些静物,但后期完全变成建筑结构之间的关系,会显得有些抽象。那时我比较专注于形式语言的探索,但是到了一个时间点我会觉得自己认为的空间观念如果只存在于室内是不完整的,我希望它是更广阔的、更全方位的,因为自然也是我们生活环境中的重要部分, 但往往是容易被忽略的。所以我尝试加入风景,并置这两个不同场景,以完整我的空间观念。2017年时做了一个展览,而现在这批作品就是那时创作的自然延续。

  艺术汇:在早期室内和室外空间结合的作品中,近景更像是窗子的感觉,但在后期作品中这种感觉变得不再明确,画面中的近景与远景更像是抽象与具象元素的并置。这样的处理方式是出于怎样的思考?

  温一沛:在形式上西方绘画关注的是空间、体积、光线、色彩、结构等等,我当然也面对同样的问题,我故意把这两个在形式上是矛盾的元素放在一起,试图使它们产生和谐。之所以我会经历从相对具象到相对抽象的过程,是因为我不想让人产生我就是要把风景放在窗外的感觉,因为那是一个很局部的看法,我希望自己可以创造一个整体的观念,它是一个广义的概念,就是人工和自然的结合,而不是一个定点的观察。入手的时候会带有比较具象的东西,无论前面是多么现代的建筑,只要用一个具象的手法去处理,后面的风景在画面中都会成立,因为它创造的空间相对真实。但我更希望画面的空间是展开的,是可以延伸到画面之外的,当前面不再是一个窗的时候,就必须要有一个对形的把握、概括,对颜色关系的处理,对空间的重新排列,才能让人觉得这是一个和谐的结果,一个相对于艺术家本人而言真实的结果。

  艺术汇:如果说之前的画面还能感受到一定的空间关系,那么在相对后期作品中,空间处理得愈发扁平化,这是出于怎样的考虑?是否与当下的视觉环境、观看习惯存在某种层面上的关联?

  温一沛:从我个人的逻辑线索里可以观察到这样一个变化,但其实放在一个大环境里并不是一个新鲜的事情,扁平化的问题存在了很多年。我们观察世界的方式在改变,视觉的经验越来越平面化。对空间的观念多多少少还是会受到屏幕的影响。当越来越多地通过屏幕去观看世界的时候,人的空间感会越来越薄。《1/2风景》就是从一次偶然的屏幕并置的过程中产生的一个想法,后来的作品逐渐趋向于平面化。

  艺术汇:策展人在文章中提到一个“心象风景”的概念,这似乎可以理解为对空间的主观化处理,那么这种处理方式对你的创作而言意味着什么?

  温一沛:早期能看到对室内空间的表现都是基于我真实去过的地方,所以是相对客观的,但是从2017年的《一处地景》系列开始,作品中的景观没有一个是绝对真实的,局部可能是我经历过的真实的景观,因为这比较容易调动起感受力,但大的结构是我主观构造的,也就是我制定了观看的视角,它源自我经验的组合。

  我也越来越喜欢中国的山水画,它的观看方式不是定点的,而是散点的、移动的。所以在上一个个展中,我把空间进行了改造,让观者在空间里有一个游览的过程,并打破全景式的呈现方式,以局部呈现。按照我设置的一个观展路径,观者会产生一个完整空间的感受。虽然那个展览是出于这个想法,但画面上的空间感还是挺实在的。这种空间结构会始终带给我一种负担,没有那么自由。当后期我把它们处理得越来越平面、越来越抽象的时候,就会有很大的主观发挥余地。我不用再去考虑这个东西是否那么合理,而只需要考虑它给我的感受是否准确就可以了。

  艺术汇:就像早期画面中常常会出现灯的形象,后来变得愈发平面、抽象,在新作中它的位置从画面上方转移到了一侧,这似乎是一个重要的变化,也是你逐渐摆脱实体束缚的一个例证。

  温一沛:对,因为画面中的椭圆是我认为很重要的一个结构,如何在长方形里出现一个椭圆,这是一个抽象的问题,但最早是一个实体带给我的,如果我想摆脱它带给我的束缚就必须让它不再是一个实体,否则就会部分地牺牲主观的感觉,会有牵制,所以自然而然地它的位置就发生了改变。

  艺术汇:在新作中出现了很多有色的线条,它们似乎是用以对画面空间进行分割的元素?

  温一沛:我以前不太用线条,早期都是色块,但是最近的画面中出现了很多线。比如这次展出最大的画《1/2风景》中,我想用一个等分法去分开两个空间,所以画面中出现了一条很平面的线,但是到后来线又发展出很多其它的意义,比如它会变成一个颜色调和的方式,或者是一个结构边缘的光晕。

  艺术汇:不难发现,你画面中存在的一些基本元素、结构、矛盾,它们自身在不断地发展、变化,创作的过程也成为了一个持续协调各个元素的过程。

  温一沛:每个艺术家都要建立自己的逻辑方式,如何去处理观念、形式。至少到目前为止我还是希望在画面中保留一定的可读性,在这种抽象与具象的共存中,两种矛盾的元素可以互为佐证,每一个矛盾的方面都因为另一方的存在而更加真实与确定。在我构建的空间中,失去自然的人造结构只会是一些无意义的色块,而失去人造结构的自然也会变成漫无目的的符号。更重要的是,我需要一个观察自然的落脚点,而这个点只能存在于“人造”之后。我在自己设定的范围内有一个规则,只要达到了,这张画就完成了,而这个规则又是在不断发展的,作品也就随之发生变化。

  艺术汇:尽管你的画面处理愈发平面化、抽象化,但你并没有将其推进到一个极致,而是始终保持着一种微弱而相对具体的现实感,对此你是如何考虑的?

  温一沛:我对环境的认知不是那么“冷”,我会在风景中加入小的建筑物,你始终能够感受到人存在的痕迹。我很喜欢那种可以在绘画中游走的感觉,这可能是中国人区别于外国人的一个地方,对画面中自然的存在方式的认识不同。如果没有那一点点建筑元素,就成了空间的内部语言和外部语言的一个结合,就是纯形式了,这并不是我想要的。我觉得绘画的落脚点始终不应该在一个形式语言的探索上,它只是附加的东西,是帮助我如何去实现我所想表现的东西,或者帮助他人去理解而已。最主要的是我为什么要选择这样的一个角度去观看自然,我认为的人工与自然之间的关系到底是什么,我肯定不认为它们之间是矛盾的,因为我很多画中的自然也都是人工处理过的自然。我在探索、描绘的是一个城市人生存的整体的空间,是对生活经验的总结与发展。而不仅仅是如何发展出一幅抽象的作品。

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